Archivi del mese: giugno 2015

Going Clear: Scientology e la prigione della fede – Alex Gibney (2015)

Going Clear - La Prigione della Fede recensione film

“Un enorme palco. Musica trionfale d’accompagnamento, grandiosi effetti speciali, un pubblico elegantissimo che si rovina i palmi delle mani a furia di applaudire. No, non è la serata degli Oscar: è un evento di Scientology, l’organizzazione religiosa che negli ultimi decenni ha fatto parlare di sé per i suoi celebri adepti – Tom Cruise ne è oggi il fedele più conosciuto – le lotte col fisco e le reiterate voci di abusi e estorsioni. Nato dall’omonimo testo di denuncia di Lawrence Wright, Going Clear: Scientology e la prigione della fede si impegna a raccontare senza omissioni la straordinaria storia di una religione nata da un libro bestseller negli anni Cinquanta, Dianetics, e dalle idee ivi riversate da un uomo, Ron Hubbard, che fino ad allora si era guadagnato da vivere scrivendo centinaia di romanzi di fantascienza.” continua su Pb

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Sul tradimento e sulle narrazioni sentimentali odierne

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In una scena di Purificàti, terzo testo drammaturgico di Sarah Kane, Carl, che ama, ricambiato, Rod, gli offre un anello come promessa di eterna, irriducibile fedeltà. Rod però rifiuta, con un discorso secco ma incredibilmente onesto:

Ora ti amo. Ora sto con te. Farò del mio meglio, momento per momento, per non tradirti. Ora. Tutto qui. Solo questo. Non mi costringere a mentirti.

Tra le miriadi di esperienze che da giovani ci vengono narrate ancor prima che si possa viverle in prima persona, l’amore è il mito più diffuso. Lo conosciamo, o crediamo di conoscerlo, pur senza esserci mai innamorati, perché il mondo intorno a noi – la famiglia, gli amici e quella porzione di opinione pubblica cui riusciamo ad accedere – ce ne ha fornito un modello ben preciso che è, nella sua forma più vecchia e nota, la coppia eterosessuale, monogama e eterna. Se è anche il primo amore, meglio.

La narrazione amorosa prevede anche la creazione di miti positivi e negativi, il più disgraziato dei quali è il tradimento, inteso come il venir meno a un contratto sociale: dai secoli passati fino a oggi ha rappresentato l’infrazione di una promessa. In particolare, quando è l’uomo ad essere infedele, l’attenzione della narrativa si sposta dal soggetto (che tradisce) all’oggetto (con cui si tradisce): da qui la figura popolare dell’Altra Donna, l’amante, la rovina famiglie, la provocatrice indomita.

Qualche anno fa è perfino uscito un saggio storico sul fenomeno dell’”amantità”, Storia delle Altre, in cui l’autrice Elizabeth Abbott raccoglie con dovizia di dati le vicende di etere, concubine, favorite, dall’antichità fino ai nomi iconici di Marilyn Monroe e Camilla Parker-Bowles.

Sorvolando però sulla mera aneddotica, è possibile, se si guarda con occhi franchi la realtà,motivare l’infedeltà con fattori familiari ad entrambi i sessi: un’istintiva attrazione fisica e/o l’innamoramento, col desiderio di stare con l’altro in forma esclusiva o malgrado il partner preesistente.

Eppure quando nella vicenda compare l’Altra Donna la narrazione corrente si fa precisa, spietata. Questo lo affermo non solo guardando alle interpretazioni che trovo nei giornali, su internet e alla tv, ma anche con l’orecchio teso alle voci della mia adolescenza, quando sia io che amiche e conoscenti abbiamo vissuto lo sfogo pervaso di odio sulla ragazza di turno che, a sentir noi, ci aveva portato via l’amato. Due sono le caratteristiche di questa visione delle cose: la concezione dell’uomo naturalmente incontinente (laddove l’intemperanza femminile deve tacere), e la negatività che caratterizza la donna che si intrattiene con un individuo già impegnato.

Una volta, certo, il matrimonio, l’unica relazione accettabile fra uomo/donna, rappresentava più un contratto sociale che un rapporto intimo: di modo che l’unica maniera per allestire una relazione sessuale/sentimentale reale era l’adulterio. Ma oggi, che già solo l’universo delle relazioni LGBT dovrebbe preannunciarci la riscrittura dei modelli narrativi amorosi, cosa ci dice la permanenza di questa lettura rigida e stereotipata?

Oltre a un chiaro problema di accettazione della potenza del desiderio femminile, si può evincere che la coppia è ancora oggi spesso intesa come un vincolo formale e predeterminato. In altri termini è sempre un contratto, dove però si finisce per patteggiare per le cose sbagliate, negando le proprie e altrui responsabilità.

Credo che chiunque di noi a livello inconscio o meno, abbia percepito, almeno una volta nella vita, l’enorme complessità delle relazioni amorose. I modelli predefiniti comunemente diffusi sono insufficienti a descrivere e giustificare il mucchio convulso di emozioni, pensieri e leggi morali continuamente rimesse in discussione.

Ma se proprio si vuole rimanere all’interno di un modello di riferimento, sarebbe molto più auspicabile un patto che riguardi una presenza basata non sul dovere, ma sulla lealtà: lealtà di mostrarsi come si è, di modo che l’altro possa sceglierci così come siamo, anche nelle nostre debolezze, paure e contraddizioni, il che non lede la volontà di diventare migliori anche come compagni affettivi. Nessun dubbio allora che sia un’esperienza difficile, problematica, e molto meno romantica di quanto ci si aspettasse: ma è anche autentica.

Da SoftRevolution 

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Teneramente folle – Maya Forbes (2015)

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“La complessità dell’esistenza è una nozione che necessariamente si apprende solo crescendo; inevitabile quindi che durante l’infanzia tutto ciò che esula dai semplici schemi puerili venga percepito come anormale o insano. La famiglia, che all’inizio costituisce la totalità del mondo conosciuto dal bambino, può rivelarsi, nel primo confronto con l’ambiente esterno, foriera di contraddizioni e assurdità che spaventano e imbarazzano. Solo dopo un percorso non scevro da rabbia e rifiuto dei propri genitori ci si potrà accorgere da grandi che ogni nucleo familiare nasconde i suoi segreti dolorosi: in altri termini, moltissime famiglie possiedono una dose specifica di follia.

Maya Forbes aveva un padre davvero molto speciale: oltre ogni definizione generica, Cameron Forbers era realmente un uomo particolare, in quanto affetto da un disturbo bipolare che ne faceva un maniaco depressivo. Negli anni Sessanta questo non gli aveva impedito di sposarsi e mettere al mondo due figlie, fino a che l’ennesimo licenziamento, a causa dei suoi comportamenti violenti, non convinse la moglie a lasciarlo e cercare un lavoro che non riusciva a trovare. Unica soluzione rimasta fu tornare a studiare, per ottenere un master che facesse da lasciapassare a un futuro stipendio perlomeno dignitoso. In attesa che la moglie finisse l’università per tornare a casa, toccò a Cam (Mark Ruffalo), reduce da un esaurimento nervoso, prendersi cura delle figlie piccole: soprattutto, farlo malgrado la propria malattia.” continua su Pb

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Diamante Nero – Céline Sciamma (2014)

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“Negli ultimi anni l’interesse del cinema per la periferia urbana ha rivelato le contraddizioni di una società ormai conquistata dalla modernità tecnologica e oltremodo capace di crearsi una propria sottocultura indipendente, ma allo stesso tempo ancora vittima di logiche comunitarie retrograde e limitate. Diamante Nero parte dalla banlieue francese per raccontare la storia di un’adolescente che si scopre ben più complessa del ruolo che il suo ambiente sociale le prescrive. Marieme, pluribocciata a scuola, vessata a casa da un fratello maggiore che le fa da padre padrone, respira il primo alito di libertà quando diventa il quarto elemento di un gruppo di ragazze decise a vivere la propria giovinezza nel modo più aperto possibile. Ma è proprio quando i suoi orizzonti si allargano che comprende quante cose il suo ambiente continui a negarle: ad esempio il diritto di andare a letto con chi desidera senza doversi scusare con nessuno.” continua su Pb

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Negli ultimi mesi un nuovo gadget è andato a unirsi alle carabattole offerte nelle piazze ai turisti dai venditori ambulanti: una piccola asta – detta monopiede telescopico – su cui si attacca il cellulare per farsi autoscatti panoramici. Subito le strade hanno iniziato a riempirsi di gruppi di persone riunite davanti al cavalletto, e solitari individui che catturavano vasti orizzonti alle loro spalle: la moda del selfie ha fatto in modo che, ancora prima di invadere le nostre bacheche virtuali, ci sia un sacco di gente in giro che si fotografa. Ciò significa che l’atto del fotografare è diventato talmente familiare che un gran numero di persone sa esattamente cosa sta facendo quando si scatta una foto. Quel di cui non ci si rende conto è l’inquietante fissità che assume, visto da fuori, il nostro volto fermo davanti all’obiettivo: la paralisi espressiva, le sopracciglia alzate ad aprire lo sguardo, il sorriso muscolarmente rattrappito in un movimento meccanico definito in un articolo di Michele Smargiassi “una seconda natura tecnologicamente indotta e inoculata di soppiatto nel nostro set biologico di risposte emozionali” (Repubblica, 18 ottobre 2009).

D’altronde una certa immobilità facciale era necessaria, agli albori della fotografia, per non venir mossi in foto, data l’originaria lentezza dei tempi di impressione della pellicola. Già allora si assorbiva l’idea che per diventare immagine bisognasse controllare il corpo, concetto oggi diversamente sviluppato dall’onnipresenza di sorrisi, smorfie, ammiccamenti, forzata spontaneità. Si può anzi affermare che la nostra identità visiva è, in una visione sociale collettiva, molto più importante dei testi in forma di post, commenti, status che divulghiamo in rete. Prima dimostrazione di questo fatto è che, a guardar bene i social network, le persone tendono a preoccuparsi di controllare più la propria immagine che ciò che scrivono. Poiché dunque l’immagine che diamo di noi serve a giustificare una buona percentuale della nostra esistenza di fronte al mondo, almeno virtualmente parlando, è necessario che sia una fotografia efficace nel vendere il prodotto – ovvero noi stessi – accattivandosi l’interesse degli altri. Esattamente il medesimo proposito della fotografia pubblicitaria, cui fa riferimento, talvolta anche senza rendersene conto, l’individuo che si punta contro il cellulare contraendo i lineamenti in un’espressione gradevole: il soggetto della fotografia prima dello scatto richiama automaticamente alla mente un determinato canone di posa cui ispirarsi, che è lo stesso che determina le immagini che frequentemente vediamo intorno a noi. La cosa fondamentale è che bene o male, tutti siamo consapevoli di questo quando ci troviamo di fronte un obiettivo, ma quel che rimane da domandarsi è con quale spirito ci si confronta con un canone figurativo che è pur sempre composto da una serie di regole precise da rispettare.

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Guardando agli anni Settanta, quando Hannah Wilke decostruiva la posa classica nella serie Super-T- Art(1974) proponendo di volta in volta nelle sue fotografie la sua trasformazione da dea-Maddalena a Gesù Cristo sulla croce, e Cindy Sherman ribadiva la consapevolezza della posa cinematografica in Untitled Film Stills (1977-1980) si ritrova una critica all’immaginario mediatico lungi dall’essersi conservata fino ad oggi. La democratizzazione della diffusione delle immagini ha in realtà comportato più tentativi di appropriarsi del canone in carica che crearne uno nuovo. In altri termini, vogliamo essere come le immagini pubblicitarie, non ci interessa proporre un Io meno levigato, forse ci spaventa anche un po’. In rete si è parlato a lungo, con toni tra il sarcastico e il spaventato, del fenomeno trash dei prediciottesimi, video semiprofessionali girati in concomitanza della raggiunta maturità anagrafica dei protagonisti, fatti di ragazzi tirati a lucido, improvvisate location urbane, un’enorme sequela di cambi di abito che ipotizziamo acquistati per l’occasione e il disperato sforzo di apparire sexy ad ogni costo. Secondo questa visione si diventa adulti dimostrando di saper farsi immagine attraente per lo sguardo, ma non è questa lettura impoverita dell’esistenza a turbare i commentatori sul web, quanto il fatto che chi si offre come oggetto del desiderio non sia bello quanto gli originari modelli di riferimento. Il problema non sta, a scorrere gli infiniti insulti che è possibile trovare postati su YouTube, nel far tragicamente coincidere la maturità con la sopravvenuta facoltà di sapersi rivendere come immagine godibile, ma nel non possedere l’aspetto adatto secondo il gusto collettivo. Se farsi riprendere in un video del genere è già un’esperienza che può lasciare incerto chi guarda, essere sovrappeso nel durante è un atto inaudito che turba gli spettatori a tal punto da far sospettare che ci sia qualcosa di rivoluzionario in tutto ciò.

Questa rivendicazione di una seducente posa pubblicitaria accessibile a tutti non è molto distante dal fenomeno delle campagne mediatiche per la bellezza autentica, intesa questa come quella appartenente alle persone comuni e non alle graficamente rimodellate protagoniste delle riviste di moda. A partire dalla prima iniziativa promossa dal marchio Dove dal 2004 ad oggi, alcune aziende si sono fatte carico di vendere i propri prodotti veicolando un’immagine – perlopiù femminile – di bellezza imperfetta, fatta di lineamenti marcati, rughe, smagliature, corpi abbondanti, qualificandola come essenziale perché l’unica realmente autentica. Un’intelligente mossa di marketing, tacciata da alcuni come rivoluzionaria e da altri come strumentalizzazione ipocrita delle esigenze consolatorie dei clienti, che nondimeno ha fatto percepire per la prima volta agli utenti l’illusione di non dover inseguire un modello estetico quanto di esserlo essi stessi. Credenza presto decaduta, poiché la “bellezza autentica” promossa da queste campagne ha finito per divenire essa stessa un canone prestabilito di forme e ha imparato le regole di un certo modo di apparire bene in fotografia cancellando tutti i difetti; la naturale grana della pelle, coi suoi pori, a ben vedere, è l’elemento di gran lunga più ritoccato digitalmente. L’artista Gracie Hagen in Illusions of The Body (2013) ha fotografato una serie di persone con una ricca varietà di corpi e aspetti, riprendendole prima in una posa armonica e poi in una sgraziata: un modo per affermare che oramai le persone sono perfettamente consce di essere guardate e sanno comportarsi di conseguenza. Così quando l’anno scorso Lena Dunham è comparsa su Vogue nelle immagini pesantemente photoshoppate di Annie Leibovitz, alle accuse di tradire il suo impegno nel rivendicare una visione meno rigida del corpo femminile – proponendo scene di sesso realistiche fra corpi imperfetti nella sua serie tv Girls – ha risposto «A fashion magazine is like a beautiful fantasy», ha solo riconfermato la preferenza contemporanea di sembrare inautentici come i protagonisti delle riviste patinate, senza dover rivelare all’obiettivo parti di noi troppo sincere; a riprova di una ribellione sociale che pretende di poter essere tutti ugualmente piacenti.

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Certo sarebbe ingenuo pretendere di ricavare da una fotografia un’assoluta verità, e per questo è assurdo chiedere alle immagini di farsi portatrici dell’autenticità umana. L’unica mossa onesta sembrerebbe celebrarla, allora, questa falsità iscritta nel corredo genetico della fotografia, e rapportarcisi consapevoli di avere a che fare con un prodotto non naturale. La questione è che se nel mondo di oggi si è prima un’immagine e poi una persona reale, come viene filtrata quella sensazione di essere veri dal mezzo che deve consegnarne una prova all’esterno? Ovvero: se adesso ci offriamo in immagine agli altri come persone in fondo sottilmente inautentiche, in virtù dei modelli che abbiamo inconsciamente o meno preso come riferimento, questo significa che la nostra verità come individui è mischiata a una discreta percentuale di finzione.

Sappiamo che l’essere umano ha sempre mentito su di sé cercando di offrire un’immagine positiva, perché è biologicamente coerente tentare di piacere agli altri, sia per ottenere vantaggi dagli altri che per conviverci serenamente; ma mai come in questa epoca esso ha saputo di poter essere guardato, arrivando a interiorizzare nella propria coscienza una sorta di Super-Io visivo. Si potrebbe perciò provare a interrogarsi se alla fissità delle pose negli autoscatti possa corrispondere una parallela paralisi spirituale, un certo modo di sapersi controllare davanti agli altri e allo stesso tempo fuggirne lo sguardo ossessivo che è anche il nostro, giacché non solo veniamo guardati ma siamo noi stessi famelici spettatori.

Eppure un viaggio sotterraneo nel Web rivela che davvero ogni individuo può essere celebrato nella sua assoluta specificità fisica assunta a immagine piacevole: lo dimostrano i siti, pornografici o meno, che propongono come oggetto del desiderio qualsiasi tipo di corpo (e perversione connessa), e lo conferma la democratica appropriazione dei modelli estetici predominanti. Rimane il fatto che è in corso un movimento collettivo verso una propria autenticità arricchita possibilmente da uno strato di Photoshop; una tendenza che pare ascritta in gran parte alle donne, come una questione vitale inerente la loro identità, sinonimo di una problematicità che sembra facilmente soggetta a manipolazione.

Le fotografie sparse per la rete, esercizi di controllata spontaneità facciale, involontariamente raccontano una storia riscritta e riadattata al gusto del pubblico, sintomo di un bisogno di piacere cui si oppone un incontinente sfogo verbale, estremamente libero sia nell’ortografia che nei contenuti. L’immagine, a differenza della parola, appare veicolo primario della parte migliore di chi rappresenta: quanto di questa autenticità rimodellata possa influire sul modo di interpretare persone e eventi dipende soltanto da quanto effettivamente al giorno d’oggi si riesce a credere in queste immagini.

da Doppiozero 

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La scomparsa di Eleanor Rigby/ Lui – Ned Benson (2013)

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“Due persone si innamorano, si sposano e mettono al mondo un figlio: è una vita basata sulla condivisione dei gesti, delle emozioni e dei pensieri. Se però qualcosa rompe la complicità, riportando i due innamorati alla loro solitudine originaria, come cambierà lo sguardo su quella che prima era una visione comune? La scomparsa di Eleanor Rigby racconta la medesima crisi amorosa in due film diversi, a ognuno dei quali sono affidati singolarmente i punti di vista di Lei e e di Lui (più un terzo riassunto complessivo, Them): Eleanor e Conor sono stati insieme per sette anni, ma la morte prematura del figlio ha rivelato modi di affrontare il dolore così diametralmente opposti da deteriorare la reciproca comprensione, finché un giorno Eleanor, sopravvissuta a un tentato suicidio, decide di andarsene.” continua su Pb

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The Gunman – Pierre Morel (2015)

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“Usciti dalla visione di The Gunman si scopre che la propria capacità di valutare i film necessità di un ulteriore riflessione: ci sono film fieramente brutti, tenaci nel perseverare un preciso stile orripilante, e altri che non possono essere considerati nemmeno tali perché incapaci di scegliere un modello narrativo , spaziando fra forme diverse per trarne confusamente gli elementi che si spera capaci di attirare l’attenzione dello spettatore. Così il film di Pierre Morel non trova il coraggio di decidere se essere fino in fondo un fumettone cinematografico, una storia di denuncia sociopolitica o un viaggio personale nell’ambiguità morale dell’essere umano; The Gunman è un po’ di tutto questo, nella misura in cui si propone di offrire un prodotto grossolanamente confezionato con una dose di violenza ludica corretta da una morale semplicistica – per non dar l’idea di voler solo godere di scontri a fuoco particolarmente coreografati – e l’inevitabile storia d’amore. ” continua su Pb

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